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福岡市美術館ブログ

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館長ブログ

FaN Week「コレクターズ アートと生きる四人」展とは⁈


 今年は、福岡市が福岡市美術館やアジア美術館のこれまでの取組みをさらに発展させ、彩りにあふれたアートのまちをめざす「FaN(Fukuoka Art Next)」の元年。

市民にとってはアートに親しむ機会が増え、アーティストにとっては活動、交流がしやすくなる、そんな街を目指してさまざまな取り組みを行っています。

 そうした取り組みが、ぎゅぎゅっと集中しているのが、9月23日(金祝)~10月10日(月祝)のFaN(Fukuoka Art Next)Week。福岡市美術館では、参加型ワークショップ(9月23,24日)やアート・マルシェ(9月23~25日)が開催されますが、なんといっても、ぜひ皆さんに見ていただきたいのが、家入一真氏、榎本二郎氏、小笠原治氏、熊谷正寿氏(50音順)の四人のコレクターの方々が出品してくださっている「コレクターズ アートと生きる四人」展です。

 通常美術館では、テーマを立てて展示を考えるか、一人のコレクターに集中して紹介するか、どちらかなので、4人のコレクターを一度に紹介する、ということに関わるのは、新しい経験でした。FaNを統括する福岡市経済観光文化局の仲間や、キュレーションを引き受けてくださった佐賀大学の花田伸一准教授、運営スタッフがそれぞれ役割分担をするという仕組みも初めて。その、どのチームが欠けてもてきなかったのが、この展覧会です。

 美術の世界、ことに展覧会は、アートコレクターの存在抜きには、成立しないというのが実情です。作品を収集し、さまざまなリスクから作品を護り、後世に伝えるということを、個人の力で行っているコレクターの協力なくしては、展覧会の開催はできません。

 いままで、どちらかというと、コレクターの皆さんは、スポットライトを作品に譲り、図録には「個人蔵」とだけ記されることが多い存在でした。ですが、この展覧会は、展示される作品とそれを所蔵するコレクターの皆さんの両方が「主役」です。アートファンであっても、作品を買うなんて考えたこともない、という方も多いでしょう。その対極にある「コレクター」は、どんな人たちなのか?を垣間見るチャンスでもあります。

 本展で紹介するコレクターの方々は、みなさん新しい分野で活躍されている経営者で、ご存じの方も多いのではないでしょうか。親子2代で美術コレクターの方もおられれば、美大を目指していた方、全くの畑違いだったのに⁉という方も。みなさん「コレクションをはじめたきっかけ」「コレクションのポリシーや楽しみ」「今回の出品作について」という質問にも答えてくださっています。仕事とアートと人生について、ストレートに語られているので、ぜひ、会場で作品とともにご覧いただきたいと思います。


 展示は、コレクションごとに、4つの壁面に展開しています。つまり、本来的には関連のない4つの個人コレクションが一つの空間に並ぶわけですが、結果として、ピカソなどの巨匠の作品にはじまり、イギリスを代表する現代美術アーティスト、ジュリアン・オピーへ、そして、日本の若手作家による2020年代の表現へと、4つの個性的なコレクションが、あたかも次々とバトンを渡していくような流れになっています。

 さて、「本来的には関連のない4つのコレクション」からなる今回の展示には、実はある共通点がありました。それは「福岡市美術館のコレクションにはない!」という点です。あの人の作品もこの人の作品も、残念ながら当館には所蔵されていません。ですので、ぜひ、この機会に多くの方に見ていただきたいと思います。そして、四人のコレクターたちの世界観にふれてください。会場を出る時には、自分だけの作品を探しに行きたくなるかもしれません。

「コレクターズ アートと生きる四人」
9月23日(金祝)~10月10日(月祝)
福岡市美術館 近現代美術室B
*要コレクション展観覧券

★おしらせ
FaN Week 期間中には、Artist Café Fukuoka(旧舞鶴中学校内)にて、今年アジア文化賞を受賞された、シャジア・シカンダー氏による大迫力アニメーション《視差》をご覧いただけるほか、9月23日13時~17時は、アーティスト・イン・レジデンス専用の制作スタジオの「オープンスタジオ」を開催します。
福岡市美術館から徒歩5分!ぜひ、どちらにもお運びください。

(館長 岩永悦子)

 

 

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「福岡アートアワード」創設!

9月1日、中央区城内の旧舞鶴中学校南棟1階が、アーティスト・イン・レジデンスの拠点かつ、展示スペースも備えたコミュニティスペースに生まれ変わり、Artist Cafe Fukuokaとしてオープンしました。福岡アジア美術館で長年続けられてきたアーテイスト・イン・レジデンスが、規模を拡大して新たな展開を迎えます。

福岡のアートのこれからを期待させる、刺激的かつ居心地のいい場所になる予感。今後どんな連携ができるかな、とワクワクしています。

 

さて、同じ9月1日に、福岡市美術館でも新しい物語がはじまります。
それが「福岡アートアワード」です。福岡市内で過去1年間に作品の発表などの活動をしたアーティストが対象となる賞で、目覚ましい活躍をし、これからさらなる飛躍が期待できるアーティストの作品を買い上げる形で賞を贈ります。買い上げた作品は、福岡市美術館の所蔵品として展示活用されます。

 

アワードの選考委員は、水沢勉さん(神奈川県立近代美術館 館長)、植松由佳さん(国立国際美術館 学芸課長)、堀川理沙さん(ナショナル・ギャラリー・シンガポール、キュレートリアル&コレクションズ ディレクター)の御三方にお願いしました。みなさん国際経験が豊かで、広い視野で評価をしていただけることと思います。

 

通常、アーティストに賞が授与される場合、賞金が贈られることが大半です。それらはもちろん、アーティストにとって、大きな後押しになることでしょう。ですが、このアワードはこれからのアーティストの経済的な支援となるだけでなく、作品が美術館に収蔵されるという、アーティストにとっての新たなステップが付け加わります。そして、美術館にとっても、福岡のアートシーンを語る優れた作品が収集でき、それを、市民に長く楽しんでいただけることになります。

 

「福岡アートアワード」を通して、アーティストと美術館と市民の間に「作品」という絆ができる。そして、福岡市内での発表などの活動実績が条件となりますので、多くのアーティストの皆さんが「福岡で発表すると、チャンスが巡ってくる」「面白そうだ」と思ってくださったら、福岡市民にも意欲的な作品を見る機会が増えることになります。

 

対象となるアーティストは、公募いたします。自薦、他薦は問いません。募集内容の詳細をご確認いただき、9月15日~10月31日の間に、ウェブサイトのフォームからご応募ください。
お待ちしております!

(館長 岩永悦子)

 

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つづくで「わたし」に起こったこと

 

現在当館で開催している「ミナ ペルホネン/皆川明 つづく」展は、2019-2020年に東京都現代美術館、2020年に兵庫県立近代美術館で開催され、少しインターバルをおいて、福岡でも開催の運びとなりました。4月に始まったときはまだ少し肌寒い頃でしたが、今は夏日を迎える頃となり、あと10日ほどで閉幕を迎えます。

会期が残りわずかになってみて、ファッションにはあまり興味がない、とか、女性の服には縁遠いとか、自分の好みにあうとか合わないとか、そういう理由で見逃す方がおられたら、もったいない、と思い、「ブログにミナ展について書きたいです!」と手を挙げました。

とはいえ、何をどのように語ろうか、と考えこむことになりました。ファンとして語るか(そうはいっても初心者だし)、あるいは、染織の研究者として述べるか(それには勉強が足りなすぎる)などなど。結局シンプルに、この展覧会で「自分に起こったこと、経験したこと、考えたこと」を書こう、と思いが定まりました。

1 自分が「着た」道を振り返り、これから行く道を思う
「ミナ ペルホネン」はデザイナーの皆川明氏が2005年に設立したブランドです。特筆すべきは、服のデザインが、オリジナルな柄・素材によるテキスタイル作りからスタートすることです。そして、それぞれのデザインにストーリーがあり、「ミナ ペルホネン」のサイトでは400種類以上のテキスタイルと、その物語やそれにまつわる記憶などが紹介されています。
https://www.mina-perhonen.jp/textile/

展示室では、さまざまなテキスタイルと出会うことができます。
花や鳥、樹木、動物。宝石、雨粒、雲。幾何学文様も、ソーダの泡も、電信柱だってある。多彩な柄を「かわいい」と言ってしまいたくなるけれど、それだけでは言い尽くせません。調和しているけれど、予定調和じゃない。洗練されていても矯正はされていない。この「かわいい」には野生が宿っている。さらに、それが服としてのデザインで新たな命を吹きこまれ、ていねいな縫製でコートやワンピースなどになったとき、それらをまとう人は「野生」をまとい、「自由」をまとう、と感じました。また、着ている本人もさることながら、それを眼にする周りの人の方を、より幸せにするかもしれないとも。

はたと自分を振り返ります。「自分はこれまでどうやって、着る服を決めてきたんだろう。これからどんな服を着ていくんだろう」と。

2 精度が上がる
展覧会が始まって、幾度となく展示室に足を運び、さまざまなデザインを見てきました。特に好きになったのは「metsä」(メッツア:フィンランド語で森の意)という、針葉樹が高く低く連なっているデザインでした。「one day」(ある日)という、針葉樹の森と湖が描かれた、大きなデザイン原画にも心ひかれました。

週に何度となく、街中の市役所本庁舎で会議に出てはバスで美術館に戻るのですが、それこそ「ある日」のこと。バス停から美術館へと歩いている時に、道沿いの空き地と、ちょっと小高い丘に目が奪われました。


この黄色い花の絶妙な配置は、どうやって決まったんだろう。他の草と話し合って決めたんだろうか。


草の森だ。「metsä」だ!

いつも通るのに、いままでほとんど関心を払ってこなかった場所が、急に別物のように見え始めました。絵になる風景を見つけた、というより、ミナ ペルホネンのデザインを通して見る目が変化し、自然のルールのようなものに気づくようになったのではないかと思います。

3 スイッチが入る
皆川さんが展覧会に先立って、ライブペインティングをされた時、ミナ ペルホネンの大ファンの友人Sさんに連れられて、もう一人の友人Tさんが見学に来ました。そして、このライブペインティングで、Tさんに「スイッチ」が入ったのです。目をキラキラさせて「無から有」が生まれてくる様を見つめ、見学のあと興奮さめやらず、感動を熱く語っていました。Tさんにこんな一面があったなんて!Tさんのなかの芸術魂が覚醒した瞬間でした。自分に起こったことではないけれど、友人のそんな姿を目の当たりにできたことは嬉しい驚きでした。

わたし自身のスイッチは、「服を着る」ことに入ったといえるかもしれません。思い切って新しい服を買ってみる。ずっと手を通してなかった服ともう一度対話し、新しい服とこれまでのお気に入りの化学反応を考える。それは、自分の過去を肯定し、現在を楽しみ、未来を期待する、という気持ちにつながりました。

「わたし」に起こったことはささやかなことなのかもしれません。それでも、きっと、この展覧会を訪れた人には何かが起こるのではないかと思います。また、何かを作ろうとしている人や、起業しようとしている人にも、ぜひ見てもらいたいと思います。理想を形にするのに必要な熱量が、具体的に示されているからです。

残り少ない会期ですが、多くの皆様にお越しいただけたら幸いです。
(館長 岩永悦子)

 

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